tag:blogger.com,1999:blog-10804952622288312962023-11-16T07:15:17.258+01:00ScrollworkUnknownnoreply@blogger.comBlogger81125tag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-31161517910704090222021-05-24T09:57:00.001+02:002021-06-05T10:01:19.667+02:001855 Walt Whitman<p>In Leaves of Grass Walt Whitman describes himself as the poet of the body and the soul. He celebrates sensuality and the joy of immediate physical life. Part of Whitman‘s inclusiveness of vision is that the entier body is crucial and that we are the same in death. „For every atom belonging to me as good belongs to you.“ We arise from nature, and to nature, the grass, we return. By affirming ourselves as leaves of grass, we become more than individual leaves. We become part of the unity that is the field of green blades in the sun. </p>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-1180817596517894132021-05-20T09:46:00.001+02:002021-06-05T09:51:08.016+02:001925–6 Gertrude Stein<p>In "Composition as Explanation" Gertrude Stein talks about the methods she applies to writing: continuous present, beginning again and again, using everything, everything being alike and naturally different at the same time. Stein also talks about time after the war, that peace will make time take new forms. She talks about the relationship between time and composition, especially the relationship between time, composition, and perspective. </p><p>Stein‘s two concluding sentences "And afterwards. Now that is all." could read, „I have spoken, here I finish my lecture,“ like a rhetorical formula at the end of a story or, if you know the lecture, „The only certainty is the present, a continuous now.“</p><p><br /></p>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-55507444106815974802020-07-03T13:49:00.000+02:002020-07-12T16:29:17.377+02:001981 revised 2<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKm2Is9SX9v1c9Tl9tbS_fK55BRSGHNnWNCoFwuc43aQPhDkjJg-JQoMcde2BJ1Tuu4VkKiEfVC92J2lsW__DrIG0FVhRmzzatzgsR6Rh-RQyEUEg6aCvWpluDd0lmCob-ag27yB7d2o85/s1600/MPCS19_DSC7147_V12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKm2Is9SX9v1c9Tl9tbS_fK55BRSGHNnWNCoFwuc43aQPhDkjJg-JQoMcde2BJ1Tuu4VkKiEfVC92J2lsW__DrIG0FVhRmzzatzgsR6Rh-RQyEUEg6aCvWpluDd0lmCob-ag27yB7d2o85/s640/MPCS19_DSC7147_V12.jpg" width="424" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">Photo <span style="font-size: 12.8px;">Peter Mochi, </span><span style="font-size: 12.8px;">2019</span><br />
<span style="font-size: 12.8px;">Colorchecker in front of </span><span style="font-size: 12.8px;">Constanze Schweiger, </span><span style="font-size: 12.8px;">I Like, 2019, detail</span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
Zurück am Tisch betrachte ich eine Komposition aus vier geometrischen Körpern in separierten Farben, die ein schematisches Profil auf dem Kopf einer Figur aufstellen. Im Bildausschnitt sind Grün, Schwarz, Gelb, Magenta vor eine braune Fläche platziert. So weich wie diese Fläche mit einem Spot angeleuchtet wird, treten die vielen multiplen Farbwerte, in die man das Braun auffächern kann, zu den Grundfarben vor ihr vergleichbar bunt auf. Vor mir fassen verschiedene Hände in weißen Trikothandschuhen nach den Spitzen der Komposition. Sie greifen ins Bild, eine nach der anderen, fassen, ziehen, trennen. Ich verfolge die Bewegungen der Hände und muss dabei an Zeichentrickfiguren denken, Dienende, Paradeuniformen, Feinmontage und an Lotsen, wenn sie auf etwas zeigen, bevor sie uns vorbei winken. Schere schneidet Montage. Stück für Stück werden die mobilen Elemente aus dem Bild geholt: erst die lange grüne Nase, das Mundstück, die nach unten gerichtete Kinnspitze und als letztes heben die Hände den nach oben gestreckten schwarzen vierseitigen Pyramidenhut an. Aus der Zusammenstellung tritt ein anderer Umriss hervor, der vertraut wirkt, an den Seiten geschwungen, oben eine plane Ebene. Die neue Figur öffnet die Augen und wendet sich aus dem Profil. Sie singt „strange,“ dieses Gesicht hätte sie schon mal gesehen, so blickt sie direkt durch die Bildfläche uns an. Korrespondierend mit dem Hintergrund, setzt sich ihr Antlitz aus warmen Tertiärfarben zusammen und Purpur. Vergleichbar mit einer Fassade aus Metall, die in mehr oder weniger mattierte und gestrichene Abschnitte aufgeteilt ist, wird das Licht im Raum unterschiedlich wiedergegeben. Ihr Mund ist einfach rot, mit einer geschwungenen Linie umrahmt. In der Umgebung mischen sich Abstufungen zwischen Reflexpartikeln, bunten Schatten und absorbierenden Stoffen aufgetragen über Glanz. Die Figur lässt den Blick schweifen und richtet ihn auf anderem Weg wieder auf die, die sie beobachten, während die vertikalen Flächen im Bild und in ihrem Gesicht wiederum das gestreute Licht spiegeln. Alles was lebt scheint, alles was künstlich ist glänzt. Aus mehreren Schritten Entfernung öffnet sich die Szene weiter im Ausschnitt und immer weiter. Der Raum ist ein Garten, in dem steht die Figur auf einer elektrisch beleuchteten Bühne, sie trägt schwarze Handschuhe und hat das Spielbein auf ein Podest gesetzt, dabei fällt ihr Schatten von rechts nach hinten auf changierendes Studiopapier. Hinter der Bühne tauchen aufgereiht über dem Studiopapier wieder weiße Handschuhe auf. Die Claqueure greifen über die Kulisse und aus den Hecken, sie klatschen und winken mit den Händen in den weissen Handschuhen. Gelblichrosabraun, Blattgrün und Schatten nebeneinander. Mit der Bewegung weg von der Figur, taucht die Grenze der Gartenanlage in den Bildraum. Alles sitzt auf einem Dach, begrenzt von einer Balustrade. Der Stil der Körper reproduziert sich im Setting, nachts in einem bepflanzten Bereich über einer Stadt mit Menschen und Maschinen, die man hören kann. Ein kleines Publikum, Pyramidenhüte, Tetraedernasen, Hände in Handschuhen, man steht verstreut zwischen den geschnittenen Buchsbäumen auf dem Dach und klatscht.Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-44345427021649319952019-05-02T14:09:00.000+02:002020-07-03T14:58:41.055+02:00Continuous Composition<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjsYbuwcDKusG9DN88qGiiwVBOi5uQXanL9nDK8KeOx-V2pR2J29v-Y1k3_UNw4GTYSXCeeC169Z_xu4TdGacLHBnUEPlgJpsicRco57k-JgHDkpv3fLm-1IdfyPzLSy7Nf4d_CfzREO4d/s1600/Continuous_4194.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjsYbuwcDKusG9DN88qGiiwVBOi5uQXanL9nDK8KeOx-V2pR2J29v-Y1k3_UNw4GTYSXCeeC169Z_xu4TdGacLHBnUEPlgJpsicRco57k-JgHDkpv3fLm-1IdfyPzLSy7Nf4d_CfzREO4d/s640/Continuous_4194.jpg" width="500" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="font-size: 12.8px;">View of <i>Continuous Composition</i> <span style="font-size: 12.8px;">from the bathroom of the Mackey Apartment</span><span style="font-size: 12.8px;"> </span><span style="font-size: 12.8px;">where the textile was dyed with turmeric.</span><span style="font-size: 12.8px;"> </span><i style="font-size: 12.8px;">Letter Pillows</i><span style="font-size: 12.8px;"> </span><span style="font-size: 12.8px;">by 69. </span><span style="font-size: 12.8px;">MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles 2019</span></td></tr>
</tbody></table>
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Once, before there was a gallery built on top of the garages at Schindler’s Mackey Apartments, there had been only a rooftop lined with gravel. Unofficially, someone had assembled a washing line on there which was temporarily used by the coming and going residents at the apartments. For some years, different people would repeatedly and interchangeably hang dry their sheets and clothing.<br />
<span style="white-space: pre;"> </span>Borrowing from Gertrude Stein’s 1926 lecture "Composition as Explanation," Constanze Schweiger remembers this every day act as making “a natural composition in the world as it has been.” For <i>Continuous Composition</i> Schweiger dyes a 39 x 9 feet (12 x 3 m) roll of cotton muslin with turmeric powder at the Mackey Apartments to hang for drying on a steel wire spanned across the length of the exhibition space. The dyed material will remain installed at the gallery for the duration of the exhibition, where it will be exposed to sunlight. Day by day, the sun will cause the infused dyestuff to change color color from bright yellows to pale beiges or colorless. We don't know yet.<br />
<span style="white-space: pre;"> </span>Aside from being a spice for cooking, turmeric is one of the early dye plants along with madder, or indigo. Dyeing with turmeric has since become outmoded while indigo is still common today in the mass production of denim, at least in its synthetic form.<br />
<span style="white-space: pre;"> </span>Schweiger has invited the <a href="https://sixty-nine.us/" target="_blank">Los Angeles fashion house 69</a> to extend their ongoing use of denim with a large-scale installation involving letter-shaped pillows forming the sentence "Everything is contemporary." Further exploring this experiment in impermanence, 69 has created the entire alphabet in the same material for visitors to arrange as they wish.<br />
<span style="white-space: pre;"> </span>In "Portraits and Repetition," another lecture from 1935, Gertrude Stein states, "each time there was a difference just a difference enough so that it could go on and be a present something." Stein was inspired by film where no two pictures repeat exactly the same, in turn they combine in our memories to create one object persisting through time.Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-85663072325536377542018-01-14T22:53:00.004+01:002020-07-12T16:28:25.758+02:001981 revisedZurück aus dem Atelier im Wiener Prater betrachte ich sie, diese Zusammenstellung aus geometrischen Formen, die eine Art Kopf im Profil nachstellt. Vor mir fassen Hände, die in weißen Trikothandschuhen stecken, nach den Spitzen der Komposition. Sie greifen langsam und präzise ins Bild, wie Hände von Zeichentrickfiguren, von Ausstellungs-Monteuren oder Lotsen, wenn sie auf etwas zeigen. Schere schneidet Montage. Stück für Stück werden die beweglichen Elemente aus dem Bild entfernt: die tetraederförmige Nase, das Mundstück, die nach vorn gerichtete Kinnspitze und der schwarze Hut aus einer nach oben gestreckten Pyramide. Aus der Zusammenstellung tritt die Trägerin der geometrischen Körper hervor. Diese Silhouette kennt man; an den Seiten geschwungen, oben ganz flach. Sie öffnet Augen und Mund und wendet sich zu uns. Sie singt, „Strange“, das Gesicht habe sie schon mal gesehen, während sie direkt aus dem Bild in uns schaut. Ihr Gesicht ist mit Brauntönen überzogen, die in unterschiedliche Farbrichtungen changieren. Es ist in mehr oder weniger mattierte und gestrichene Flächen aufgeteilt. Über den Lippen liegt eine Schicht Rot, die wirkt durchscheinend und wird von einzelnen Reflexpunkten und einer Goldrahmung definiert. Rundherum verlaufen alle Farbabstufungen ins Dunkle, dunkel auf dunklem Grund. Sie lässt ihre Augen schweifen und richtet sie über einen anderen Weg auf uns. Dabei spiegelt die Fläche der Stirn das seitlich von links neben uns ins Bild gerichtete Licht wie eine Metalliclackierung. Alles was lebt scheint, alles was künstlich ist glänzt. Wir treten zurück, dadurch öffnet sich der Bildausschnitt. Wir bemerken, durch die Bewegung erschließt sich die Szene. Sie hat das Spielbein auf ein Podest gesetzt, hinter ihr Schatten auf einer kakaofarbigen Fläche. In der Art posiert hier eine durch und durch gestaltete Erscheinung auf einer Bühne im Freien. Dahinter tauchen im Schatten über der Bühnenkante aufgereiht wieder weiße Handschuhe auf. Die Claqueure, die Kulisse, Grün oder Schatten. Das alles ist in einen Garten auf ein Hochhaus platziert. Der Stil der Körper reproduziert sich im Setting der Anlage nachts in einer leuchtenden Stadt auf einem Dach neben der Skyline. Ein kleines Publikum, Pyramidenhüte, Tetraedernasen, Hände in Handschuhen, man steht verstreut zwischen den Hecken auf dem Dach und applaudiert.Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-79372921807819846592017-11-05T12:22:00.000+01:002018-11-01T12:23:03.816+01:00Nach "Anmut hat Gelingen"<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeLx989WRfBg5KZdBaNh9tx8Av1rW31QsjLVioxgZcxppyGFIx8nZWCjgCsJIbYzeQDaKHu6w2XfWKLt3gShZLXH2I_sWYKfV10U-zg1l1CNgoOtJFB_CJ6AP0FwI_4F7OrYYJPH1kx8ll/s1600/Nach_AnmuthatGelingen_2017.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="996" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeLx989WRfBg5KZdBaNh9tx8Av1rW31QsjLVioxgZcxppyGFIx8nZWCjgCsJIbYzeQDaKHu6w2XfWKLt3gShZLXH2I_sWYKfV10U-zg1l1CNgoOtJFB_CJ6AP0FwI_4F7OrYYJPH1kx8ll/s640/Nach_AnmuthatGelingen_2017.jpg" width="560" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Nach "Anmut hat Gelingen"<br />
kunstraumlangenlois p.p.<br />
© Michael Part, Constanze Schweiger, 2017</td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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Die Ausstellung “Nach ‘Anmut hat Gelingen’” ¹ ² setzt sich aus fünf tafelbildartigen Skulpturen und einer Reihe von textilen Gefässen zusammen. Die Tafeln an den Wänden auf der einen Seite fassen Formen von Stoffstücken ³, die in Gips abgegossen und nach dem Aushärten entfernt wurden und in denen einige Fasern der Textilien mit ihren Farben und Musterungen ⁴ zurückblieben. Auf der anderen Seite, aufgereiht vor der Wand liegen die Gefäße ⁵, die später aus den Stoffstücken erstellt wurden. Sie zeigen Ausschnitte der Stoffmusterungen, gestrafft und fixiert durch den Gips, den sie beinhalten.</div>
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¹ Das Zitat “Anmut hat Gelingen” stammt aus dem 22. Zeichen “Bi” der chinesischen Textsammlung “I Ging”. </div>
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² Mit "Anmut hat Gelingen” beginnt ein Künstlertext von Constanze Schweiger, der 2012 auf constanzeschweiger.blogspot.com publiziert wurde. Dieser Text erzählt die Anekdote der Entstehung der “Batiksocken” von Michael Part. Der Text war 2015 Anlass für eine Kooperation: Ein Scan der ursprünglichen Batiksocken ist in die Typografie platziert und in ein Billboard umgesetzt.</div>
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³ Der Anekdote zu den Batiksocken folgend sind Stücke von Baumwollstoff mit Natriumdithionit behandelt worden. Diese Substanz ist ein starkes Reduktionsmittel, in der Fotografie wird sie als eine nur zum Teil praxistaugliche Entwicklersubstanz für den Silbergelatine-Prozess eingesetzt. Sie ist allerdings sehr gebräuchlich in der Umkehrentwicklung und auch bei der Extraktion von gelöstem Silber im verbrauchten Fixierbad. Der gegenwärtige industrielle Einsatz von Natriumdithionit findet hauptsächlich bei der Produktion von Entfärbemittel für Textilien statt.</div>
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⁴ Die Stoffstücke stammen aus einer Testreihe zur entfärbenden Wirkung von Natriumdithionit. Gewickelt und verknotet, mit der Substanz behandelt, entstanden batikartige Musterungen, die im Gegensatz zum Batik-Verfahren nicht gefärbt sondern entfärbt sind.</div>
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⁵ Für die Produktion der Gefäße sind die Stoffstücke horizontal geviertelt. Um jedes Gefäß seinem zugehörigen Abguss zuordnen zu können, wurden sie mit eingenähten Indexes versehen.</div>
<br />Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-10594631749045894572017-05-27T22:31:00.000+02:002018-10-01T22:35:22.612+02:00Kurkuma convey. Our limbs leave invisible pollen on the pages<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfWrsb39L25USmo5trEkhnKcYp8Rztjzkqhw1qMoqcuEC8c6vN5h7Ng2bgwNP6AeqEmXlJoK5gv2R0HsIDBiqCmRCz-dUkmN3m0uQAVlUi-j22c5TR_fcxZq2EfB-bNRKZKfUjXrSIg2UD/s1600/Kurkuma_convey_6244.jpg" imageanchor="1"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfWrsb39L25USmo5trEkhnKcYp8Rztjzkqhw1qMoqcuEC8c6vN5h7Ng2bgwNP6AeqEmXlJoK5gv2R0HsIDBiqCmRCz-dUkmN3m0uQAVlUi-j22c5TR_fcxZq2EfB-bNRKZKfUjXrSIg2UD/s640/Kurkuma_convey_6244.jpg" width="550" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFCpLf-V13-Fa0Mkgvc3MDLW9cTiJercGvV1x5pkN9cnqpOdPZtEyY7wbcrZOyy1gLZjTOnkeHUgLSPSNZOkVLVkcNp55z6O2Cple12buWGLD2nc3KZ4gW7kIRXdDU5TjynbB0Dddjzfhs/s1600/Kurkuma_convey_6217.jpg" imageanchor="1"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFCpLf-V13-Fa0Mkgvc3MDLW9cTiJercGvV1x5pkN9cnqpOdPZtEyY7wbcrZOyy1gLZjTOnkeHUgLSPSNZOkVLVkcNp55z6O2Cple12buWGLD2nc3KZ4gW7kIRXdDU5TjynbB0Dddjzfhs/s640/Kurkuma_convey_6217.jpg" width="550" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbMrh_n630ugmGVMHmQrFDpSYS_xr-oKaBNhViFGQecvCXksZjLWT3IcVQn5OCB0i_l-e60sMKxk2Dvhn9Uerx_eS0jSBkAKkw6wHR_H3JG8uJg3Dr1CM4NE7-m53HYharsh6AcK_fa7WT/s1600/Kurkuma_convey_6204.jpg" imageanchor="1"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbMrh_n630ugmGVMHmQrFDpSYS_xr-oKaBNhViFGQecvCXksZjLWT3IcVQn5OCB0i_l-e60sMKxk2Dvhn9Uerx_eS0jSBkAKkw6wHR_H3JG8uJg3Dr1CM4NE7-m53HYharsh6AcK_fa7WT/s640/Kurkuma_convey_6204.jpg" width="550" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvxPhhxLsbJur0RcFhXoJW-4l5NstXcF4kqqhtCDV4qR4gjZLWOmXHuUDp3-J0LgBnYMvlxnWK6E4UQslxvVv7vFS5m0Wt-Af3YoF7Ui8IPqu0OK7QFjzlwaQKvHOWzjDLOYC0nfd1uVe_/s1600/Kurkuma_convey_6165.jpg" imageanchor="1"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvxPhhxLsbJur0RcFhXoJW-4l5NstXcF4kqqhtCDV4qR4gjZLWOmXHuUDp3-J0LgBnYMvlxnWK6E4UQslxvVv7vFS5m0Wt-Af3YoF7Ui8IPqu0OK7QFjzlwaQKvHOWzjDLOYC0nfd1uVe_/s640/Kurkuma_convey_6165.jpg" width="550" /></a>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-31752060213645070652017-05-27T18:41:00.000+02:002019-03-27T12:28:10.697+01:00Our limbs leave invisible pollen on the pagesExhibition text Constanze Schweiger<br />
Kurkuma, convey. Our limbs leave invisible pollen on the pages<br />
May 12 – May 26, 2017<br />
<a href="http://www.newjoerg.at/" target="_blank">Kunstverein New Jörg, Vienna</a><br />
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„The night The Book of Bean opened in New York was the night of the blackout. Remember? It happened two hours before things were going to begin.“ recalls Alison Knowles in an interview with George Quasha. One night in July 1977, in the middle of a bitter heat wave, when the city was facing a severe financial crisis, electric power failed all over New York City. Looting, vandalism and arson were rampantly taking place until late in the following day. The whole city was in a state of dissolution and pervasion. On the evening of that dark night, Allison Knowles released one of her book sculptures; a book in the size of a very small house, with ultralarge moveable pages. You could walk around the sculpture, step or leave through its pages, and spend some time in the different spaces created between the pages.<br />
<span style="white-space: pre;"> </span>The impulse to make <i>Untitled (convey Regular, convey Regular Italic)</i> came last year in March from Gabriele Lenz who designed the typeface <i>convey</i>. In order to have material to print with her typeface on 10 meters of sateen, I produced text made of observations and ideas on reading materials by Alison Knowles, Gertrude Stein, Friederike Mayröcker, Yoko Ono, Tavi Gevinson, Hannah Black, in which the writers discuss the processes of reading, writing and publishing. In the meantime the design for the sculpture is ready for production. Another type but equally long panel of cotton cloth was dyed with turmeric and hanged up to dry in the exhibition space. Until the end of the show, by exposure to sunlight the dyed cloth will change its color. When the text is printed on fabric and the work is delivered to the exhibition space, it will be installed next to this other fabric dyed with turmeric. After the show <i>Untitled (convey Regular, convey Regular Italic)</i> will be cut up into pieces in order to produce objects that can be used differently, as for example tote bags into which you can put anything such as books you want to carry with you.<br />
<span style="white-space: pre;"> </span>Since March 2016 many things have happened and clearly some things feel different. Here around me and out in the world critical changes are taking place which are not completed yet and which are affecting me continuously. During reading for this exhibition text, I come across a sentence from a version of the interview with Alison Knowles and George Quasha which is missing in the copy I hold. In this sentence Quasha means that we would leave marks with our bodies, „invisible pollen on the pages“ for those who come after.<br />
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„The night The Book of Bean opened in New York was the night of the blackout. Remember? It happened two hours before things were going to begin.“ erinnert sich Alison Knowles in einem Interview mit George Quasha. In einer Nacht im Juli 1977, während einer Hitzewelle, in einem Moment in dem sich für New York City eine schwere Wirtschaftskrise abzeichnete, fiel überall in der Stadt der Strom aus. Bis in den nächsten Tag hinein wurde geplündert, randaliert und Feuer gelegt. Die ganze Stadt befand sich in einem Zustand von Auflösung und Durchdringung. Am Abend dieser Nacht also veröffentlichte Allison Knowles eine ihrer Buchskulpturen; ein Buch so groß wie ein sehr kleines Haus mit übermenschengroßen Seiten, um die man gehen, sie bewegen, durch sie hindurch steigen und zwischen denen man Zeit verbringen konnte. </div>
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<span style="white-space: pre;"> </span>Der Anstoß zu <i>Untitled (convey Regular, convey Regular Italic)</i> kam im März vergangenen Jahres von Gabriele Lenz, der Gestalterin der Schrift convey. Um 10 Meter Baumwollstoff mit der convey zu bedrucken, sind sechs Texte entstanden, in denen ich Ideen zu den Vorgängen Lesen, Schreiben und Veröffentlichen von Alison Knowles, Gertrude Stein, Friedericke Mayröcker, Yoko Ono, Tavi Gevinson und Hannah Black aus verschiedenen Lesequellen nacherzähle. Der Entwurf dazu ist für die Produktion fertiggestellt und eine andere, gleich lange Stoffbahn ist mit Kurkuma gefärbt und im Ausstellungsraum zum Trocknen aufgehängt. Dort wird der gefärbte Stoff bis zum Ende der Ausstellung über die Einwirkung von Sonnenlicht seine Farbe verändern. Wenn die Texte dann auf die zehn Meter Baumwollsatin gedruckt sind und die Arbeit an den Ausstellungsraum geliefert wurde, wird die Stoffbahn neben den gefärbten Stoff installiert, um nach der Ausstellung in Stücke geschnitten zu werden und um später anders verwendbare Objekte daraus zu produzieren, wie zum Beispiel Taschen, in die man alles mögliche oder einfach Bücher hineintun und mit sich tragen kann. </div>
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<span style="white-space: pre;"> </span>Seit März 2016 ist einiges passiert und manches fühlt sich deutlich anders an. Hier um mich und in der Welt finden kritische Veränderungen statt, die noch nicht abgeschlossen sind und mich laufend beeinflussen. Beim Lesen für diesen Ausstellungstext finde ich einen Satz im Interview von Alison Knowles und George Quasha, der in der Fassung fehlt, die ich besitze. In dem Satz meint Quasha, wir alle würden mit unseren Körpern Spuren hinterlassen, unsichtbare Pollen auf den Seiten für die, die danach kommen.</div>
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Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-57417353993419009702017-02-26T16:11:00.004+01:002021-06-04T13:24:55.121+02:001984 Friederike MayröckerWenn ich mich frage, was ich da mache, finde ich es komisch, wie eben diese Fixierpunkte in einer Reihe gesehen am Ende durcheinander wirken. Zwischen Tastatur und Magen lese ich bei Friederike Mayröcker, <span style="color: #044abc;">"Diese elliptischen Gespräche sind eine Bodenfalte in die einer fällt"</span>. Wenn er geht und dabei spricht, um sich daran zu erinnern, an das Gehen und was gesprochen wurde, um danach zu greifen – <span style="color: #044abc;">"oberhalb seines Kopfes das fadenziehende Licht greift"</span> – dann ist das Fallen, Straucheln wie ein Prädikat. <span style="color: #044abc;">"Man muss damit nicht nur lange gehen, sondern sich mit diesem Stück Poesie lange auseinandersetzen, wenn man es geschrieben hat, man muss lange korrigieren, feilen, Korrekturen von Korrekturen machen, aber vor allem muss man sehr geduldig sein : so ein Stück Text arbeitet ja nach der Fertigstellung weiter[…]"</span> Man muss es ganz für sich allein lassen, es liegen lassen, wie Teigmasse gehen lassen, meint sie. Sie versucht visuelle Wahrnehmungserfahrungen und ihre direkte oder indirekte Umsetzung in Sprache zu veranschaulichen. Demnach fantasiert sie etwas Bildliches und denkt dazu etwas Sprachliches, das sie später mehrmals umformt und im Verlauf mit der Maschine fixiert. Ich lese also Friederike Mayröcker zwischen Tastatur und Magen, dazwischen beuge ich mich über das Buch, um einen Satz zu fixieren. Ich lese den Satz oder einen Teil aus dem Text, lese teilweise laut, dann ändere ich was ich festhalte ein wenig und lese wieder oder ich suche den Punkt im Text, den ich während dem Fixieren gelassen habe.<br />
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Seit 1984 versammelte Friederike Mayröcker zusammen mit dem Suhrkamp Verlag alle drei bis vier Jahre eine Auswahl an kurzen Prosatexten zu den Gründen des Schreibens und des Lebens in der Reihe der <i>Magischen Blätter</i>.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl-xvYGeZNrtyyEtQ9IXPFe8EejI0tYPD2FBD0EKvl9P29j0XoHwzbMC3tGWpH7sT30WhHiTccvfmB8r6d8jXDKIsclBzeujb5yE4Ukds-UJtqxdeNdBDTs500fc2WpUM5fqiyPesz2_Uu/s1600/1984_Friederike_Mayroecker.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhl-xvYGeZNrtyyEtQ9IXPFe8EejI0tYPD2FBD0EKvl9P29j0XoHwzbMC3tGWpH7sT30WhHiTccvfmB8r6d8jXDKIsclBzeujb5yE4Ukds-UJtqxdeNdBDTs500fc2WpUM5fqiyPesz2_Uu/s640/1984_Friederike_Mayroecker.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Friederike Mayröcker, <i>Magische Blätter I</i>, Suhrkamp Verlag, Frankfurt am Main 1984</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-87582436475600272122017-02-23T22:26:00.000+01:002017-04-11T16:06:01.251+02:001966 Alison KnowlesThe Big Book von Alison Knowles war genau das: ein Buch. Nur war es etwa so groß wie ein sehr kleines Haus. Dieses Buch bestand also aus acht sehr großen, über Scharniere miteinander verbundenen Seiten, um die man gehen, sie bewegen, durch sie hindurch steigen und zwischen denen man Zeit verbringen konnte. Es befanden sich dort diverse nützliche Dinge und Annehmlichkeiten wie elektrisches Licht, ein Herd, auf dem man Kaffee kochen konnte, eine Toilette, ein Telefon, ein Fenster, das sich öffnen und schliessen ließ, ein Stück Wiese, eine Bibliothek oder ein Gästebuch. An einer bestimmten Stelle auf einer der Seiten konnte man „Enter“ lesen, auf einer anderen „Smoking Permitted in This Area Only“. Sonst aber waren die verschiedenen Texturen der diversen Oberflächen aus denen sich alles zusammensetzte der eigentliche Text im Buch. Weil The Big Book so konstruiert war, dass man es leicht in zwei Holzkisten verpacken konnte, wurde es 1966 in New York von Something Else Press veröffentlicht und innerhalb von drei Jahren an mehreren Orten in der Welt ausgestellt. Mit jedem Mal, mit jedem Ortswechsel, mit jeder Berührung löste sich etwas von dem sehr großen Buch bis es schliesslich nicht mehr von alleine aufgerichtet im Raum stehen konnte.<br />
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<i>The Big Book</i> by Alison Knowles is an expansive book sculpture, which got published as a regular book release in 1966 by Something Else Press, an early New York publisher of concrete poetry and other works by Fluxus artists.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeSh32IBV5GQsfios1HgZ3-XTLw5wiF-m91t6rrHOfkoLm_hyvi3R2kFJ9WfSPUFrC1ktl__bm7M8LUfzUMIEX4MmvnyR2VKn7F7KeCqdMvotbBdsrC92PvACaQMOahnWlLgooXI8r17pK/s1600/1966_Alison_Knowles.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeSh32IBV5GQsfios1HgZ3-XTLw5wiF-m91t6rrHOfkoLm_hyvi3R2kFJ9WfSPUFrC1ktl__bm7M8LUfzUMIEX4MmvnyR2VKn7F7KeCqdMvotbBdsrC92PvACaQMOahnWlLgooXI8r17pK/s640/1966_Alison_Knowles.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Alison Knowles, <i>The Big Book</i>, New York: Something Else Press, 1966 </td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-60851291347699945232016-04-15T15:49:00.000+02:002017-04-01T16:54:08.283+02:001935 Gertrude Stein<span style="color: #044abc;">"Ich mag das Gefühl von Wörtern die tun was sie wollen"</span>. So wie kleine Geräusche entstehen, wenn sich die Hände auf dem Papier hin und her bewegen, wenn sie sich vortasten zur nächsten Ecke, die Seite greifen, über die Seite streichen. Was also können die Wörter tun, was können die Hände tun und wie reagiert das Papier. Abhängig vom Winkel, in dem die Hände zum Papier stehen während sie es berühren, ändern sich die Geräusche, die durch die vielen kleinen Bewegungen der Hände auf dem Papier entstehen. Es steht, dass <span style="color: #044abc;">"Wörter das Gefühl haben das zu enthalten worin sie sich aufhalten"</span>. Ich mag, wie sich das anfühlt. Und <span style="color: #044abc;">"das Gefühl haben daß sie sich bewegen und Bewegen anzeigen und Bewegung in ihnen drin existieren spüren."</span> Während sich die Hände auf dem Papier bewegen, während sie auf das Papier Druck ausüben, spüren sie, wie rau die Oberfläche ist, wie sie sich trocken und warm anfühlt. Sie spüren, wie die Rauheit der Oberfläche die Bewegung der Fingerkuppen auf dem Papier bremst. Dabei scheint das Papier die Bewegungen wie Flüssigkeit in seine Oberfläche aufzunehmen und auf eine völlig andere Weise, als Geräusche, als eine Art Rauschen oder langgezogenes, flaches Rascheln, wieder zurückzugeben. Ich lese, <span style="color: #044abc;">"daß das erreicht worden ist eine interessante Sache daß das durch den Druck erreicht worden ist der auf sie ausgeübt wurde ausgeübt auf diese Wörter die zu uns kamen wie sie waren und wie sie noch immer sind doch haben sie jetzt eine völlig andere Bewegung in sich."</span> Ich mag es, wie sich das jetzt anfühlt; das langgezogene Rascheln, das beim Berühren des trockenen, rauen Papiers entsteht und das Lesen der Wörter, die Gertrude Stein in gleichmäßigen Wiederholungen über den Text angeordnet hat und den Druck, der auf sie ausgeübt wurde, während ich mich immer wieder in dem was ich lese verliere. <br />
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<br /></div>
Gertrude Stein's Erzählen consists of four historic lectures to American students at the University of Chicago in 1934 and 1935. The original publication “Narration. Four lectures by Gertrude Stein” was published by the University's Press in the same year. 35 years later it was transferred into German by the Austrian poet Ernst Jandl and published by Suhrkamp in 1971 as part of the bibliophilic series Bibliothek Suhrkamp.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgscZz45Ec231NyIxwJliVqbieI5mtmkFW-R4Tf_07YqWu-Z8ny4CDFGXpdzkE2WqPjkmsUg5aQG9ZZdo_7wbwbWTUVNMSHmLwbD7xUFXO8NBmulI93gOJsnzzDvHanA3pdCmJNy9ZAhL8i/s1600/1971_GertrudeStein.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgscZz45Ec231NyIxwJliVqbieI5mtmkFW-R4Tf_07YqWu-Z8ny4CDFGXpdzkE2WqPjkmsUg5aQG9ZZdo_7wbwbWTUVNMSHmLwbD7xUFXO8NBmulI93gOJsnzzDvHanA3pdCmJNy9ZAhL8i/s640/1971_GertrudeStein.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Gertrude Stein, <i>Erzählen</i>, übertragen von Ernst Jandl, Frankfurt am Main: Suhrkamp Verlag, 1971</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-73780375581441962032016-04-11T15:56:00.000+02:002017-04-06T16:54:41.427+02:002014 Tavi GevinsonFür 60 Dollar kann man sich ein Sweatshirt kaufen, auf dem steht "Girls at Night on the Internet" – im Internet. So eines trägt Tavi Gevinson auf einem Foto von Annie Leibovitz, das, wie ich hier lese, an einem der Tage im vergangenen Jahr, an dem sie die Fotografien für den Pirelli-Kalender 2016 aufnahm, hinter den Kulissen entstanden ist. Gevinson nennt das Kleidungsstück an der Stelle "Seele in Sweatshirt-Form". Wenige Klicks weiter, an einer anderen Stelle, auf einer anderen Seite, vielleicht ein Jahr vor dem Shooting veröffentlicht, schreibt sie: <span style="color: #044abc;">"I started a blog when I was 11, and every day after school, I came home and took photos of my outfits for it."</span> Für die Dauer eines Tagebuchs würde sie ihre Handschrift ändern, sie würde ihre Haare färben, neue Poster in ihrem Zimmer aufhängen, sich auf eine Auswahl ihrer Garderobe und ihrer Musiksammlung beschränken, eine neue Route für ihren Schulweg nehmen, und das alles in einer Reihe von Blogeinträgen festhalten. Sie fragt: <span style="color: #044abc;">"Isn’t life the real thing itself?"</span> Nein, setzt sie fort. Eher seien es Filme, die das Leben real machen, weil sie Gefühle, Farben, Bewegungen oder menschliches Verhalten aufzeichnen und in den Gedanken und Erinnerungen der betrachtenden Öffentlichkeit weiterleben lassen. Sogenannte movie moments. Selbst entworfen, produziert, aufgezeichnet und veröffentlicht, um sie nachts in die Welt im Internet einzutragen.<br />
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Tavi Gevinson's <a href="http://www.rookiemag.com/2014/12/editors-letter-38/">"Editor's Letter"</a> on First Person in December 2014 is a digital publication on the American online teen magazine Rookie. Gevinson became known for her early fashion blog Style Rookie, which she started at the age of eleven. In three years the emphasis of the blog shifted from photos of expressive, experimental outfits and commentary on fashion trends to extensive writing on pop culture and feminist discussion. In September 2011, at the age of fifteen, Gevinson decided to stop writing primarily about fashion and founded Rookie. In 2016 she became twenty.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUK3KstUjiMDBB_Ll5bdO69qudD5erhc1O-mR5gMYopWoddydquWg1mdNJkbvTKTbxH0vFev_ZAlLu8VemA6vv6-v9elseFqCH9VOWglOBIGS9qVS3mJj1RN9QSeZS1-Za5CX28CrJnOci/s1600/FirstPerson_RookieMagDec2015.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUK3KstUjiMDBB_Ll5bdO69qudD5erhc1O-mR5gMYopWoddydquWg1mdNJkbvTKTbxH0vFev_ZAlLu8VemA6vv6-v9elseFqCH9VOWglOBIGS9qVS3mJj1RN9QSeZS1-Za5CX28CrJnOci/s640/FirstPerson_RookieMagDec2015.JPG" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tavi Gevinson, "Editor's Letter", www.rookiemag.com, Issue 40: First Person, 2014</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-49731262092221083122016-04-08T16:04:00.000+02:002017-03-21T14:40:04.207+01:001964 Yoko OnoGrapefruitgelb, quadratisch, ungefähr so groß wie ein kleiner Stapel Kacheln liegt es vor mir am Tisch. In einer Serie von Anleitungen für temporäre Kunstwerke schlägt Yoko Ono vor, eine Leinwand oder ein bereits fertiggestelltes gemaltes Bild mit einer brennenden Zigarette anzuzünden. <span style="color: #044abc;">"See the smoke movement."</span> Das Smoke Painting endet dann, wenn Keilrahmen und Leinwand vollständig verbrannt sind. Es besteht für die Dauer, in der seine kleinsten Teile aufsteigen. Etwas ähnliches steht im Umschlag; dort fordert Ono auf, das Buch mit dieser Anleitung und vielen weiteren nach dem Lesen zu verbrennen. Und John Lennon kommentiert im darauf folgenden Absatz: <span style="color: #044abc;">"This is the greatest book I've ever burned."</span><br />
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The artist book <i>Grapefruit</i> by Yoko Ono is a commercially produced artist book with a very high print-run. It was originally published by her own imprint Wunternaum Press in Tokyo in 1964. For this Ono wrote the title "Grapefruit" individually by hand on each cover. Its second edition came out through Simon & Schuster in New York in 1970 and already includes the above mentioned note by John Lennon. In 2000 it was complemented by Yoko Ono's suggestion to burn the book after reading.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7bDyLXK4xq4y5c-Hr9j6rtpnboq5P8sjNO0Cd_0tKKoJFGOtsR1SkU1aK6jNUS7r1G1hZw0U3x_2YSHzAH0FecuJm4lHLDuoTb1H4-5Apb0QXZ2DENCjWHnY0vae8iAeFLtkjYMwwiL8y/s1600/2000_Yoko_Ono.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7bDyLXK4xq4y5c-Hr9j6rtpnboq5P8sjNO0Cd_0tKKoJFGOtsR1SkU1aK6jNUS7r1G1hZw0U3x_2YSHzAH0FecuJm4lHLDuoTb1H4-5Apb0QXZ2DENCjWHnY0vae8iAeFLtkjYMwwiL8y/s640/2000_Yoko_Ono.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Yoko Ono, <i>Grapefruit</i>, New York: Simon & Schuster, 2000 </td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-41373754035303281362016-04-04T16:00:00.000+02:002017-03-21T15:00:39.299+01:002015 Hannah BlackWie vermutet ist der Warteraum voll. Die Beine sind zum Lesen überkreuzt, das Heft senkrecht auf den Oberschenkel aufgestellt. Mit Daumen und Zeigefinger halte ich mich jeweils an einer Magazinhälfte fest und lasse dabei die Unterarme mit ihrem eigenen Gewicht nach unten sinken. Hannah Black schreibt hier, es gäbe immer noch Versuche beziehungsfähige Roboter zu entwickeln. Weil menschliche Beziehungen aber arbeitsintensiv und gefährlich sind und weil sie aus vielen rätselhaften Beiträgen bestehen, würden sich diese Roboter nicht sehr bewähren. Man hätte ihnen die Form von Frauen, von Haustieren, von Dienern und die Form des Schreibens gegeben; ob die aufgezählten Kategorien etwas gemeinsam haben oder nicht, bleibt hier offen.<br />
<br />
Hannah Black is an English artist and author interested in the condition of being bodied and the registration of reality, world history, and personal history in narration. Her essay <a href="https://www.textezurkunst.de/98/soziales-leben/" target="_blank">“Social Life”</a> was published in the German contemporary art magazine Texte zur Kunst, in the 2015 issue on Media.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJhSaPb-iAQC-lnhOpjqflPfFHxj3ZQXH6B4tEvOdCrNuoCUg1nCQNtC3OdCPCXFvJdQ6cYbt1XeEPaq9GI1YDBj4YDCDRl7YID4WQ1DZWS_kc_PxecF38TRb2OyaBUsn34661BTQEvoIq/s1600/2015_HannahBlack.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJhSaPb-iAQC-lnhOpjqflPfFHxj3ZQXH6B4tEvOdCrNuoCUg1nCQNtC3OdCPCXFvJdQ6cYbt1XeEPaq9GI1YDBj4YDCDRl7YID4WQ1DZWS_kc_PxecF38TRb2OyaBUsn34661BTQEvoIq/s640/2015_HannahBlack.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hannah Black, "Social Life“, Texte zur Kunst, Issue 98: <i>Media</i>, 2015 </td></tr>
</tbody></table>
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<style>[href^="http://www.text-link-ads.com/"]
{display:none !important;}</style>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-4050329695283077472016-04-01T17:30:00.000+02:002018-09-19T18:16:59.537+02:00Ohne Titel (Halbes Wiener Kastenfenster)Ein Vorhang ist eine relativ große vertikale Fläche im Verhältnis zum Raum, in dem er auftaucht und zu den Personen, die sich im Raum aufhalten. Üblicherweise ist er größer als die Öffnung in der Wand, also größer als der Ausschnitt vom Dahinter, vor dem der Vorhang auf- und zugezogen wird. Dabei hängt er, fällt er von oben nach unten in Falten, rechtwinklig zur Architektur, die den Raum herstellt. Direkt von vorne trifft Licht auf ihn, vergleichbar wie auf ein gemaltes Bild. Es dringt durch sein Material hindurch auf die hintere Seite und macht ein Bild, dass man sich in dem Moment, in dem man vor dem Vorhang steht, vorstellen kann. Gerafft, gebunden, geformt und fallend verändert der Vorhang den Lichteinfall von draußen in den Raum und dadurch die Stimmungen und Beziehungen zwischen den Elementen innerhalb und zu sich selbst. Das und die Tatsache, dass sich auch der Vorhang mit der Zeit, zusammen mit den anderen Elementen im Raum, kontinuierlich verändert, bringt seine natürlichen Eigenschaften ins Spiel und lässt so einen Abstand zur Beschreibung entstehen, zur eigenen Handschrift und zu den Versuchen Ausdruck zu vermeiden. (2016)<br />
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<i>A curtain is a relatively large vertical surface in relation to the room in which it is hanging and to the persons inside. Usually it is larger than the opening of the wall, larger than the cutout of what is behind, of what is to be covered and unveiled by the curtain. In doing so, it dangles, it drops top down, perpendicular to the architecture which builds the room. Light illuminates the curtain as if it was a painting. It seeps right through the material to the other side behind it; one might conceive that image on its reverse side while standing in front of the curtain. Folded, tied, shaped, and falling, the curtain has an effect on the sunlight entering the room, and in this regard it changes the moods and relationships between the elements within. This and the fact that a curtain, like every element of a room, changes continuously with time, brings its natural qualities into play and creates distance to its description, to the process of writing, to one's personal style, and to the experiments of avoiding expression. (2017)</i><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk3B0SxTHSKKHiRncXhDkFqZGdZWDJXh3ZWHKWPgA_-K_02Nw7goXH7paXydefKQBFWaeaS4FLO24wh8b9tStaJIiHrehyCgtlSniWYHisVPMx5ILNFS3TtGup6NKbCWG8HKZvEDUlo2v2/s1600/ConstanzeSchweiger_HalbesWienerKastenfenster_1902.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk3B0SxTHSKKHiRncXhDkFqZGdZWDJXh3ZWHKWPgA_-K_02Nw7goXH7paXydefKQBFWaeaS4FLO24wh8b9tStaJIiHrehyCgtlSniWYHisVPMx5ILNFS3TtGup6NKbCWG8HKZvEDUlo2v2/s400/ConstanzeSchweiger_HalbesWienerKastenfenster_1902.jpg" width="550" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Constanze Schweiger, Untitled (Halbes Wiener Kastenfenster), 2016<br />
Curcuma and paprika on canvas, 120 × 135 cm<br />
Part of the exhibition Schneidig#1</td></tr>
</tbody></table>
Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-51213271227032480112016-03-31T11:01:00.000+02:002017-05-26T12:55:21.260+02:00Untitled (convey Regular, convey Regular Italic)Weil du fragst – meistens bleibt wenig Zeit für das Schreiben, genauso gut lässt es sich aus dem Alltag auch nicht wegdenken. Der Auftrag zu einer Arbeit mit Schrift kommt von einer österreichischen Buchgestalterin. Sie hat vor einiger Zeit <a href="http://www.typeconvey.com/">eine Schrift</a> entwickelt, die nach gegensätzlich Kriterien ausgerichtet ist, um in verschiedenen Umsetzungen möglichst gut lesbar zu sein; Offset- oder Laser-gedruckt, eventuell projiziert oder ganz einfach am Bildschirm. Dazu fallen mir einige Texte ein, die mit den täglich anfallenden Aktivitäten Lesen, Schreiben und Veröffentlichen in Verbindung stehen, wie sie Hand in Hand gehen und nicht getrennt zu denken sind, wie wir sie mehr oder weniger irgendwie alle täglich tun. Ich stelle mir vor, man könnte Beschreibungen zu den Texten in dieser Schrift auf Stoff veröffentlichen, in einem Raum ausbreiten, danach aufrollen, in einer Ecke abstellen, nach und nach ein Stück davon abschneiden und wieder andere, anders verwendbare Objekte daraus produzieren lassen, eine Tasche oder ein Behältnis für ein Buch. Mir kommt das nicht so sehr anders vor als das, was wir so und so täglich mehr oder weniger alle irgendwie machen, beobachten und fühlen. So könnte man am Ende Behälter daraus herstellen, in die man alles mögliche oder einfach Bücher hineintun und mit sich tragen kann.<br />
/<br />
<i>Because you asked – actually there is not much time for writing, while one can not think of a day without it. The assignment of an artwork involving typography came from an Austrian book designer, who some time ago, developed a <a href="http://www.typeconvey.com/">font family</a> on opposed criteria. It is designed for versatile applications and works homogeneously in various common formats and media; printed in offset or with an office printer, possibly projected or simply on the screen. A few texts that relate to the daily activities of reading, writing, and publishing come to my mind; how they go hand in hand, as they are inseparable today, like one practices them more or less continuously. I figure one could write descriptions of these text sources and print them in the mentioned font on fabric, disperse the fabric in the exhibition space, then roll it up, deposit it in some corner, gradually cut of parts, and produce other, differently destined objects like a tote bag or repository for a book. It does not seem so different to what we all so and so, more or less somehow do, observe, and feel. In the end, one could fabricate containers into which you can put anything or just books you want to carry with you.</i><br />
<i><br /></i>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI19JuB4fnmU0zSarcRCSbe-gDQYzSwB6HhLrCgwcO7O9BFVz_1kgo8gpUWgVH1LChBPbR7f5oLEtyDeHRCMl9TyR7guWYUenTCD_pWOSRrojYSWM0pl3T8u3umMqKss4MTMpso5xUOupe/s1600/Kurkuma_convey_6204.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="auto" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI19JuB4fnmU0zSarcRCSbe-gDQYzSwB6HhLrCgwcO7O9BFVz_1kgo8gpUWgVH1LChBPbR7f5oLEtyDeHRCMl9TyR7guWYUenTCD_pWOSRrojYSWM0pl3T8u3umMqKss4MTMpso5xUOupe/s400/Kurkuma_convey_6204.jpg" width="550" /></a><i><br /></i>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-28204593442753464262016-03-05T11:37:00.000+01:002017-03-21T00:14:27.334+01:00Dinge, die<span style="color: #044abc;">Vorhang ... Absurd pathetische Form ... Bild ... im Aufheben am schönsten. ... hinter dessen Blende die Dinge faulen können zu Kunst ... Das was sie vorstellt und das was sie darstellt ... um sie allen anderen auszusetzen.</span> (Excerpts from the book <i>f</i> by Jutta Koether, 1987, that where accompanying the exhibition <i>Dinge, die</i>)<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBkqqzgRITJQ9kbHn6HXB4lv627CjC7PvAyE627c4zd64V1ClmMb6hvLYL0vWIlOjcEmt7Np3lO3_zEqjPC7jLJZUF108Hi6ff-YVJQR5WcULTMOXsmZNS27XZiujuc9_f9e1WSWyPH9aS/s1600/Dingedie_DSF4769.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="auto" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBkqqzgRITJQ9kbHn6HXB4lv627CjC7PvAyE627c4zd64V1ClmMb6hvLYL0vWIlOjcEmt7Np3lO3_zEqjPC7jLJZUF108Hi6ff-YVJQR5WcULTMOXsmZNS27XZiujuc9_f9e1WSWyPH9aS/s400/Dingedie_DSF4769.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption"><i>Dinge, die</i> Exhibition, Pinacoteca, Wien, 2016. Foto: Thomas Ries<br />
Found textile (Barbara Post) stretched on frame </td></tr>
</tbody></table>
Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-70880663592706967982016-02-29T01:38:00.000+01:002017-03-21T00:35:39.134+01:002016 Christophe Lemaire<span style="color: #044abc;">“The best for the most for the least.”</span> <a href="http://epochs.co/articles/the-best-for-the-most-for-the-least" target="_blank">It was said</a> that Christophe Lemaire picked up on Charles and Ray Eames' famous thoughts in an interview September 2016 on the launch of his latest collection with Uniqlo. Originaly the Eames were referring with their pithy sentence to William Morris and his wish not to <span style="color: #044abc;">"want art for a few; any more than education for a few; or freedom for a few."</span><br />
<br />
Lemaire's Men collections somehow remind one on the great style of socialist writer and designer William Morris. Now I'd say, even better, with Lemaire Arts and Crafts goes Mod … for a few coy and cool that at least romanticize on socialism and democracy? Outfits, contrived and fabricated carefully into wardrobe pieces for the ones that take a little bit of distance, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=pOGfEh1V5Lg" target="_blank">as the designer puts it himself</a>.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="310" mozallowfullscreen="" src="https://player.vimeo.com/video/181821712?title=0&byline=0&portrait=0" webkitallowfullscreen="" width="550"></iframe>
<a href="https://vimeo.com/181821712">Lemaire, Men Spring–Sumer 2017</a>. Music: Witch, No Time, 1973 (Can’t You Hear Me?, Now-Again Records, 2016)Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-18019810038096830732016-02-21T14:03:00.003+01:002017-02-24T02:43:09.225+01:001860s William MorrisIn a publication by Catherine McDermott (Professor of Design at Kingston University in London and now director of the Cooper-Hewitt, National Design Museum in New York) on tradition and style in British fashion (Octopus Publishing Group Ltd, London 2002) one can find a photograph of the English designer, craftsman and socialist writer William Morris taken in the 1860s where he sits in a garden on a stack of wooden planks, encircled by different sorts of large scale textiles folded and nested beside him. McDermott finds in Morris a worthy example of the up to this day remaining middle-class English male disregard for fashion. <span style="color: #044abc;">"[His] look proclaims that one's personal values are more important than fashion,"</span> consequently opposed to the standards of the immaculate Victorian gentleman of wealth and respectability. We see him wear a loose-fitting wool suit and unstarched shirt, creasy plain trousers, practical and comfortable looking outdoor shoes, long ungroomed hair and beard – scruffy, disheveled but highly politicized like the creating and thinking man himself. In a later period of his life he adopted what McDermott calls a "more extreme version of dress" compiled from indigo-dyed shirts and a suit of blue serge, which later became the antetype uniform of a defined revolutionary.Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-38498188838547859682015-12-12T02:06:00.000+01:002017-03-16T13:45:48.261+01:001952 Ellsworth KellyIn 1952 Ellsworth Kelly wanted to try something. According to his thoughts he produced <i>Red Yellow Blue White</i>. The work can be described as an early Hard-edge painting. It consists of five vertical panels separated on the wall and four occurring intervals of the wall surface between them. Each of the five panels is made up by a grouping of respectively five square-cut canvases; red, yellow, dark blue and white cotton fabrics he had purchased in the marketplace of a small fishing village in South of France, and which he stretched directly onto their supports. Following the strategy that he had explored in Paris with collages made from various found coated and uncoated colored papers, it is the only painting the artist ever did using actual industrially dyed fabrics of ready-made colors.<br />
<div>
In <a href="https://books.google.at/books?id=oebp9z4QP2wC&pg=PA100&lpg=PA100&dq=%22Ellsworth+Kelly%22+%22painting+for+a+white+wall%22+balcony&source=bl&ots=TWtiDELwTa&sig=g4TwjrAgwQfIGswSYSsXDEJYD7Y&hl=en&ei=oQkWSquIDMSHtgfG9NXfDA&sa=X&oi=book_result&ct=result&redir_esc=y#v=onepage&q=anne%20weber&f=false" target="_blank"><i>Random Order</i> (October Books, 2003, p. 99)</a> the art historian Branden Wayne Joseph takes up on Kelly's try and expects that he used the left over cloth from <i>Red Yellow Blue White</i> to make a dress for the artist Anne Weber. <span style="color: #044abc;">"Kelly's use of the same fabric for the dress of his friend Anne Weber only makes the equation between color and commodity in this particular work clear."</span></div>
<div>
All that remain of that dress are a collage by Ellsworth Kelly and a photograph of Anne Weber wearing it. In 2013 art adviser Sharon Coplan Hurowitz and women's creative director of Calvin Klein Francisco Costa worked with Kelly to recreate the dress as he had actually wanted it. It is composed of equally wide horizontal bands, made of modern fabrics in the fibers cotton, silk, nylon and elastane, rendered in a very limited-edition. As mentioned in Leslie Camhi's article <i><a href="http://www.vogue.com/article/in-the-abstract-ellsworth-kelly-and-francisco-costa-team-up" target="_blank">In the Abstract: Ellsworth Kelly Creates a Limited-Edition Collection with Francisco Costa</a></i> for Vogue, May 31, 2013, Kelly had anticipated within his works a way of <span style="color: #044abc;">“getting color off the wall and having it walk around the room.”</span> The original intention remains present in the ten reinterpretations of the dress for Calvin Klein. One copy was donated to the <a href="http://www.metmuseum.org/art/collection/search/185392" target="_blank">Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art</a> in New York and one to the Philadelphia Museum of Art, whose permanent collection includes the work <i><a href="http://www.philamuseum.org/collections/permanent/295032.html?mulR=683885724|4" target="_blank">Red Yellow Blue White</a></i>, the try that inspired the design of the dress at first.</div>
Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-6759320557201772672015-12-08T16:40:00.002+01:002017-04-06T17:26:42.978+02:001979 Margaret Walch<span style="color: #044abc;">"Nude Figure Blue / </span><span style="color: #044abc;">Joy Orange / </span><span style="color: #044abc;">Paper Pink / </span><span style="color: #044abc;">Cut-out Magenta / </span><span style="color: #044abc;">Gollage Green" </span>are the color sample names in the section "The Colors of Matisse" in Margaret Walch's <i>Color Source Book</i> on page 89. They reassemble a selection of five primary colors in the hue and value that Matisse chose for his late paper collages. Among the palettes of other artists like Giotto, William Morris, or Sheila Hicks, the <i>Color Source Book</i> features significant color palettes of periods and art forms like Empire, Chinese porcelain, Scottish tartans, or Pop Art.<br />
<br />
Through writing her own column on contemporary and historical fashion in the quarterly textile magazine <i>American Fabrics (</i>a guide for textile manufacturers with real physical fabric samples glued in it) Margaret Walch developed her expertise in the realm of color. In 1979 she published <i>Color Source Book</i>. It is the first of three color guides for both nonspecialist and professionals. In 1986 she became associated director of the <a href="http://www.colorassociation.com/">Color Association of the US</a>; an organization founded in 1915 to identify the direction of color trends, translate them into salable Color Forecasts in order to deliver the protocols to designers, retailers, and manufacturers. <a href="http://specialevents.com/decor/meetings_hues_news" target="_blank">She points out</a>, psychology, the economy, and our environment are the most important forces to influence our relation with color. High-visibility events, a celebrity, a movie, an artwork, anything that looks good has impact on our taste and values. <a href="http://www.nytimes.com/2007/12/20/fashion/20COLOR.html" target="_blank">Asked to pick her favorite color for 2008</a>, she brings up Bamboo; a muted yellowed green, chosen from the associations' interior palette of the same year. She explains, in insecure times Bamboo <span style="color: #044abc;">“represents the stable green that is most on people’s minds.”</span>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-40938401224727066022015-06-27T23:15:00.000+02:002017-04-06T17:28:43.157+02:002015 Grace has success<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDb27K_gp_A2EcX7zqeW6zeshJvf7_yFTcZePOo1o9KkAUtHQWi9JLW1Gn1bF8o7hz3w1YpuqFAFp2ktlxYHeL3AgJz43801bgvxj5LRB1TImOei-bG_Vg9evzOfSsP8XepT96EXtITlIe/s1600/GraceHasSucess_WestfalischerKunstverein.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDb27K_gp_A2EcX7zqeW6zeshJvf7_yFTcZePOo1o9KkAUtHQWi9JLW1Gn1bF8o7hz3w1YpuqFAFp2ktlxYHeL3AgJz43801bgvxj5LRB1TImOei-bG_Vg9evzOfSsP8XepT96EXtITlIe/s640/GraceHasSucess_WestfalischerKunstverein.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Constanze Schweiger, "Grace has success", 2012.<br />
Invitation card for "Para/Fotografie", Michael Part and Artie Vierkant, Westfälischer Kunstverein, Münster, 2015</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<i>"Grace has success."
</i><br />
<i>Halfway to the self-made developer – while handling the prints – the artist steps into his bathtub. A cigarette is placed on the rim of the tub, the undershirt slips out of his trousers, something splashes. The soft comes and forms the hard. He wears plain-coloured cotton socks. In the morning all things are dry again but the socks are cheerfully covered with blotches. Lavender blue mottles and spots mingle on dark-grey. He states, “Sodium dithionite diluted in water induces a textile bleaching effect that causes dappled markings.” Disorganizations in the shapes of grains, smears and blobs make an adornment that is not caused by addition but by subtraction. The modern sock eludes from ornamentation. Here graceful traces represent a story accompanying the artist’s practice which takes place during the time of day when it is dark outside and others sleep. Exploited material and time – the resources of the worker – are not wasted. The composition is entirely left to chance. Thus an ornament finds its connection with man and world order. The audience is excited by the artist’s achievement. They can not accept the request that the piece should be worn. Therefore, the hard rises and forms the soft – the <a href="http://www.michael-part.com/02.html">batik sox</a> are getting framed. Now the artist can focus on other things again.</i><br />
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Translated into English by Nicholas Hoffman, 2015<br />
<a href="https://constanzeschweiger.blogspot.co.at/2012/10/2008-michael-part.html">Original text in German, 2012</a>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-5261911569767449412015-06-15T21:16:00.001+02:002016-05-23T15:14:00.273+02:002010 Olivia GiacobettiAs sometimes, there is a theme leading to an utterly tight bound composition. So tight that multiple accords and juxtapositions seem to fuse into one controlled sphere. Complete container or geometric volume – you have to inhale it and let yourself sink in order to get to the bottom of its obscure details. There is bitterness, a rarer and profound quality within a structure. There is green. There is powder and butter as in orris root. There are carrot seeds and filmy patchouli as from moist soil on roots. Carrot seeds and bitterness. Carrot seeds and powder. Carrot seeds and vanillized orange peel. There is sweetness. Sometimes bitter tastes sweet. This type of sweetness appears gauzy within floral systematics, and makes up for a clearly kinder feel. So as sometimes, a homely theme with its many seemingly recognizable components may lead you into the inner world of an imaginary object – a bubble or bobble or multilayer ball. It was a mistake to state that ... is a point it.<br />
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On <i>Love les carottes</i> by Olivia Giacobetti<br />
<br />
In some other context a famous perfumer compared perfume to poetry, more precisely to <span style="color: #044abc;">"poems on souvenirs."</span>Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-46975838707630986022015-05-28T16:25:00.000+02:002017-11-08T13:01:06.307+01:001980 Design OfficeIn the short story "Honeymoon Habit" Kim Gordon tells about one of her early Design Office interventions. The clients, an artist couple sharing one room on 8 Spring Street, New York, had commissioned her to change their apartment As part of her art practice, Gordon – widely known as a founding member of the band Sonic Youth – added a small mirror and a light with a metal shade to the place and spray-painted both of them in copper. <span style="color: #044abc;">"</span><span style="color: #044abc;">With the two new items added to the apartment and painted </span><span style="color: #044abc;">a color that is simultaneously street oriented, in a defined </span><span style="color: #044abc;">state, and rich looking, the project will not be resolved until </span><span style="color: #044abc;">the clients buy a smaller refrigerator."</span><br />
<br />
"Honeymoon Habit" was originally published in <i>Real Life Magazine's </i>5th issue, in winter 1980.<i> </i>The magazine was founded and edited by artist, writer, curator, Thomas Lawson, and artist, writer, Susan Morgan as an intermittent black and white magazine. It collects significant early writing by fellow artists and writers, a loose clique of the New York artworld of the Eighties. In 2014 it got included into the book Kim Gordon, <i>Is It My Body? Selected Texts</i> by Sternberg Press.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUtytmUz_vCGuc6eKmkhkW5uXLR2MwRgjXuDofmTu7n18bX_dqsGtZQayNLmL1vmabjG-9WGSoY_WBSNNqAmnx-K5mfFCpLxBUZZTs8tsGXxuSar53pBWfVyOpsojnWnhYCArI6iidgLKz/s1600/MoneymoonRabit_%25C2%25A9ThomasRies.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUtytmUz_vCGuc6eKmkhkW5uXLR2MwRgjXuDofmTu7n18bX_dqsGtZQayNLmL1vmabjG-9WGSoY_WBSNNqAmnx-K5mfFCpLxBUZZTs8tsGXxuSar53pBWfVyOpsojnWnhYCArI6iidgLKz/s400/MoneymoonRabit_%25C2%25A9ThomasRies.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Constanze Schweiger, <i>Untitled (Große Neugasse 44)</i>, 2015<br />
Part of <i>Kim Gordon: Honeymoon Habit</i> by Anne Speir and Constanze Schweiger, pinacoteca, Vienna<br />
Photo: Thomas Ries</td></tr>
</tbody></table>
<br />
On the occasion of the 2014 show <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=-SprnUtGSGw" rel="nofollow" target="_blank">Design Office: Coming Soon</a></i> presented by Gagosian Gallery at Fitzpatrick-Leland House, Los Angeles, Kim Gordon recounts: <span style="color: #044abc;">"Design Office began in 1980 as a way to practice art outside of the gallery system. The first projects involved friends’ apartments. D.O. was to be sort of a reflective intervention into the lifestyle of the clients. Objects and a physical change to the interior based on the personality and desires/needs of the client. The design activity was not meant to be well executed or look a certain way, have a certain look or style. If anything it was a lo-fi aesthetic using or recycling other aesthetics."</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
Unknownnoreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-1080495262228831296.post-56426898707587896982015-05-15T22:34:00.000+02:002017-02-23T14:15:22.481+01:001961 Claes OldenburgIn Claes Oldenburg's famous <a href="https://www.aaa.si.edu/collections/items/detail/claes-oldenburg-artists-statement-environments-situations-spaces-catalog-7971" target="_blank">artist statement</a> for the <i>Environments, Situations, Spaces</i> catalog (Martha Jackson Gallery, New York, 1961) he brings together an extensive list of associated forms and states that art can take in order to define vigorously his interest in the complexity of art and life. In <span style="color: #044abc;">"I am for an art that takes its form from the lines of life itself"</span> he literally pictures a line that behaves and exists in our imagination in many diverse and familiar ways<span style="color: #044abc;"> "that twists and extends impossibly & accumulates and spits and drips, and is sweet and stupid as life itself."</span> He calls for art that one can smell or hear or smoke, that one can touch and interact with, that is a joke, that makes no sense or that eventually fulfills a function; <span style="color: #044abc;">"art you can sit on"</span> and <span style="color: #044abc;">"art that does something other than to sit on its ass"</span> within the context of an established art institution. Oldenburg is <span style="color: #044abc;">"for an artist who vanishes, turning up in a white cap painting signs or hallways"</span> and <span style="color: #044abc;">"for the art of bread wet by rain."</span>Unknownnoreply@blogger.com