2013 William Wegman

William Wegmann for ACNE Studios Spring/Summer Campaign 2013

1976 Robert Rauschenberg

Constanze Schweiger, Untitled (Vow made out of a scarf), 2013
Oxford weave, gauze, Indian cane, 213,5 x 101,5 x 49,5 cm

Über Robert Rauschenbergs Vow (Jammer), 1976, Wandbehang, vernähte Baumwollstoffe, Bambusrohr, 213,5 x 101,5 x 49,5 cm

Lebendig und symmetrisch hängt Vow an der Wand. Die vier rechten Winkel eines vergilbt weiß wirkenden Tuchs ergeben dort ein offenes Tetraeder, dessen Spitze Richtung Boden zeigt. Dachstube am Kopf. Winkel, in dem ein Stück Bambusrohr liegt. Hängendes Nest oder eigentümlich gebautes Bett. Es erinnert an die Schale der Molluske; schön anzusehen und mobil, scheint die Konstruktion gleichsam aus sich heraus abgesondert.
“I never allowed myself the luxury of those brilliant, beautiful colors until I went to India and saw people walking around in them or dragging them in the mud. I realized they were not so artificial.” Die Vorstellung beginnt 1975 in der indischen Stadt Ahmedabad. Mit leichtem Gepäck steigt der Künstler ins Flugzeug. Die Sammler Sarabhai haben ihn zu sich in die Familienresidenz eingeladen. Der mitgebrachten Hausregel folgend, sammelt er Materialien auf seinen Streifzügen rund um den temporären Arbeitsplatz. Dabei kauft er in der Umgebung hergestellte Stoffe aus Naturfasern in fein abgestuften Texturen und vibrierenden Farben. Er kombiniert sie mit Rohrstöcken und weiteren Fundstücken (kleinen Aludosen, einer Glasflasche, Lehm, Schnüren aus Hanf et cetera). Es entsteht eine Folge von rätselhaft einfachen Sets. Man meint, losgelöst von ihrem kulturellen Zusammenhang, wirken die Versatzstücke in den knappen Anordnungen post-minimal, Tuttle-esque und exotisch. Mit gewohnt streifendem und ungenormtem Blick verschränkt R. flüchtig und lose Farben und geometrische Abstraktion zu Architekturen, in die man blasen könnte. Türen und Fenster fehlen, die Zimmer sind mit spontanen Falten ausgekleidet; nichts kommt von außen oder geht etwas nach draußen. So ein Haus kämpft nicht. Es leistet Widerstand in einfachen und zarten Zügen.
Den übergeordneten Namen (Jammer) zur Serie borgt sich R. angeblich vom Windjammer, der letzten Version eines Großseglers. Eigentlich eine mächtige Transportmaschine aus Holz und Stahl, ausgestattet mit mehreren Masten und riesigen, charakteristisch rechteckigen Segeltüchern, ist es auch ein Modell, das man in seiner Miniaturform in eine dekorative Glasflasche stecken könnte. Wenige Jahre zuvor (1969) schlüpft R. in so eine Flasche; er übersiedelt sein einmal freundlich, utopisch geöffnetes Atelier von Manhattan auf eine Insel vor der Golfküste Floridas. Hier bleiben Gürtel, Krawatte, feste Schuhe im Schrank. Was dann, Kimono oder überweites Hemd? Aus solchen Hüllen lässt die Einbildungskraft erstaunliche Wesen herauskommen. Und so heißt es im Sommerbulletin desselben Jahres der ehemaligen Midpeninsula Free University: „The natural state of man is ecstatic wonder. We should not settle for less“.

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On Robert Rauschenberg’s Vow (Jammer), 1976, wall-hanging, sewn cotton fabrics, Indian cane, 213,5 x 101,5 x 49,5 cm

Vow dangles lively and symmetrically off the wall. In this place with four right angles a yellowed white fabric forms a tetrahedra; its top points downward to the floor. Upside-down attic. Nook or corner, where a piece of bamboo lies. Hanging nest or a peculiarly built bed. It remembers the mollusk’s shell; beautiful to look at, mobile and at the same time the construction seems segregated from itself.
“I never allowed myself the luxury of those brilliant, beautiful colors until I went to India and saw people walking around in them or dragging them in the mud. I realized they were not so artificial.” Travelling light in 1975, the artist boards a plane. The collectors Sarabhai have invited him to their family‘s residence in the town of Ahmedabad in India. Following his arrival, with habitual self imposed restrictions, he collects material on his expeditions around the temporary workplace. In doing so he buys locally produced natural fabrics in nuanced textures and vibrating colors. He combines these with canes and other finds (small aluminum cans, a glass bottle, adobe, cords out of hemp et cetera) to form a sequence of puzzlingly simple sets. You‘d think, uncoupled from their cultural context, the scarce formations appear post-minimal, Tuttle-esque and exotic. With the usual „vernacular glance“ R. loosely interlaces color and geometric abstraction into architectures in which you could blow your nose. Doors and windows are missing, the rooms are lined with spontaneous folds; nothing is coming from the outside nor is anything going outward. This sort of house does not fight. It offers resistance in facile and subtle lineaments.
The superordinate name of the series (Jammer) is taken from Windjammer, the ultimate tall ship. Actually a mighty machine made of wood and steel, appareled with several masts and characteristically vast rectangular sails, it is also this type of sailing ship, which in its miniature form could be tucked in a decorative glass bottle. Some years before (1969) R. emerges in such a bottle; he relocates his once friendly, utopically opened studio from Manhattan onto an island off the coast of Florida in the Gulf of Mexico. Here, belt, necktie and brogues stay in the wardrobe. What then are the options, kimono or oversized shirt? From such shells, the imagination allows amazing creatures to come out. In this same year, the summer bulletin of the former Midpeninsula Free University prints: „The natural state of man is ecstatic wonder. We should not settle for less“.

The text was part of the exhibition Introduce #2: Constanze Schweiger / Robert Rauschenberg April 23 2013 at Schneiderei, Vienna
A part of the original series has been on view at Gagosian Britannia Street London February to April 2013

1877 Gerard Manley Hopkin

Glory be to God for dappled things – 

   For skies of couple-colour as a brinded cow;
      For rose-moles all in stipple upon trout that swim;
Fresh-firecoal chestnut-falls; finches’ wings;
   Landscape plotted and pieced – fold, fallow, and plough;
      And áll trádes, their gear and tackle and trim.

All things counter, original, spare, strange;
   Whatever is fickle, freckled (who knows how?)
      With swift, slow; sweet, sour; adazzle, dim;
He fathers-forth whose beauty is past change:
   Praise him.

Gerard Manley Hopkins, Pied Beauty, 1877, found on the Poetry Foundatian

1967 Yayoi Kusama

Gepriesen sind die mehrfarbig gefleckten Dinge. "Whatever is fickle, freckled (who knows how?)" Wer weiss wie.
Alle Dinge – entgegengesetzt, eigenständig, selten und seltsam – besitzen eine mehr oder weniger wechselnde Oberfläche. Bei so einer Musterung oder Textur handelt es sich um die enthüllende Qualität einer Sache und ihren Zusammenhang mit der Umgebung.

Während sich die Welt in Yayoi Kusamas Self Obliteration (1967) zu Beginn noch irritierend düster anfühlt, sich bald manisch, bald hypnotisch in Millionen kleinste Partikel auflöst, entwerfen die Muster der Louis Vuitton Kollektion (2012) einen neuen Look mit einer coolen Geschichte. Unterschiedlich grosse Punkte sind auf kontrastierenden Oberflächen – wie mit Vinyl beschichtetem Segeltuch, Seide oder transparentem Plastik – gleichmässig gestreut; sie formieren ein lebensfrohes, aufreizend spontan und flüchtig wirkendes Retro-Schick-Zierat auf Modeartikeln mit Kultstatus.




Yayoi Kusama Kusama's Self Obliteration, 1967, 24 min. (excerpt)

Scrollwork

“In the words of Auguste Racinet (L’Ornement Polychrome, 1875 – 1888), the ‘irrepressible acanthus has passed through twenty-two centuries without losing one of its leaves and has covered with its branches the whole monumental world.’ Its scrolled leave has been the basis of many a scrollwork pattern. Scrollwork has appeared constantly in printed textiles from the eighteenth century on. Sometimes quite acanthus-like, and sometimes stylized into an almost abstract impression of looping vines and leaves. It combines allover coverage with graceful lightness and is usually nondirectional.”

In: Susan Meller und Joost Elffers, Textile Designs, Harry N. Abrams, Inc., New York, 1991, p. 221.

1887 Hypoestes

Constanze Schweiger, Hypoestes phyllostachya Baker, 1887, 2012

Every leaf has its own character. Some look more spectacular than the flower they engender. Some make for a recognizable shape, while others follow distinct chaos. During the course of a year, they might develop diverse colors, due to their exposure to sunlight or to the turning of leaves in fall. Greenish red. Reddish blobs scattered across green faces: shocking pink, naked-like, spotted candy color, Crayola‘s Razzmatazz from 1993, electric crimson - halfway between red and rose on the color wheel. Peek-a-boo pink eyed is the Hypoestes phyllostachya Baker, 1887, commonly called Polka Dot Plant. It is an old-fashioned houseplant with a long cultivation history starting in Madagascar. Freckle Face, mainly grown for its pea green leaves with pink splotches, similar to something found in Jack Smith’s film Normal Love. The pattern does not follow the veins of the leaf, nor does it interact with the environment or protect the annual. Cultivators put a lot of labor into this invasive species to amplify its unusual, formerly less dramatic color contrast. Opinions divide on the outcome – attractive or nasty. Either way, the plant lets us know whether it‘s happy: the pink spots shrink or diminish when it is not getting enough light, and its leaves will bleach to a lighter green if it is getting too much.

2008 Michael Part

Michael Part and Constanze Schweiger, "Ohne Titel (Batiksocken von Constanze für Michael)", 2015. Part of the exhibition "Mercuri et al." by Michael Part, 21er Haus, Vienna, 2015. Photo: Stefan Lux

Anmut hat Gelingen.

Beim Hantieren mit Abzügen und einem selbst hergestellten Entwickler steigt der Künstler in seine Badewanne. Dabei hat er die Zigarette am Beckenrand abgelegt und das Unterhemd rutscht ihm aus der Hose. Es spritzt; das Weiche kommt und formt das Feste. An den Füßen trägt er einfarbig glattgestrickte Baumwollstrümpfe, die er vorm Schlafengehen neben sein Bett legt. Am nächsten Morgen ist alles wieder trocken und seine Socken sind voller Flecken. Auf Dunkelgrau mischen sich Marmorierungen und Tupfen, die zwischen Altrosa und Lavendelblau changieren. Er stellt fest, dass Natriumdithionit in wässriger Lösung eine textilbleichende Wirkung entwickelt, die auf seinen Strümpfen Markierungen hinterlässt. Sprenkel, Schlieren, Kleckse ergeben Verzierungen, die nicht durch Zugabe sondern Wegnahme entstanden sind. Die moderne Socke entzieht sich dem Ornamentiert-Werden. Hier repräsentieren anmutige Spuren eine Geschichte zur Arbeit, die der Künstler in dem Abschnitt eines Tages verrichtet, in dem es draußen dunkel ist und andere schlafen. Verwertetes Material und Zeit, die Kapitalien des Arbeiters, sind nicht verloren gegangen. Ohne Absicht wurde die Gestaltung dem Zufall überlassen. So findet ein Ornament seinen Zusammenhang mit dem Menschen und der Weltordnung. Dem Publikum gefällt das, was der Künstler produziert hat. Die Bedingung aber, dass das Werk getragen werden soll, mag es nicht annehmen. Also steigt das Feste empor und formt das Weiche; die Batiksocken werden gerahmt. Von jetzt an kann sich der Künstler wieder auf andere Dinge konzentrieren.